Directeur d'ouvrage

Frédéric Paul est né en 1959. Conservateur aux collections contemporaines du Centre Pompidou, il a précédemment dirigé le Frac Limousin et le Domaine de Kerguéhennec. Critique et historien de l’art, il a publié de nombreux ouvrages en France et à l’étranger. Il s’est particulièrement attaché à la scène historique conceptuelle (Robert Barry, Mel Bochner, Guy de Cointet, Douglas Huebler, Allen Ruppersberg, William Wegman…) ou au long à Hreinn Fridfinnsson, Toni Grand, Shirley Jaffe, Giuseppe Penone, tout en accompagnant le travail de ses contemporains Claude Closky, Hubert Duprat, Jochen Lempert, Beatriz Milhazes, Jonathan Monk, Steven Pippin, Barbara Probst, David Shrigley… Il est commissaire de l’exposition rétrospective de Shirley Jaffe circulant de 2022 à 2023 du Centre Pompidou au Kunstmuseum de Bâle et au Musée Matisse de Nice.

Contributeurs

Polly Apfelbaum (1955, Abington, PA) vit et travaille à Elizaville (NY) et à New York. Depuis sa première exposition personnelle, en 1986, ses oeuvres ont été montrées à New York et dans de nombreux pays. Présentés au sein de grandes installations, ses textiles, céramiques et dessins renvoient à des arrière-plans politiques plus vastes ainsi qu’à l’héritage de l’art américain d’après-guerre. Apfelbaum y associe des motifs colorés accrocheurs réalisés sur divers mediums pour mieux brouiller les frontières entre peinture, sculpture et installation tout en explorant les limites de l’art et de l’artisanat. Usant de matériaux d’ordinaire affectés à un cadre domestique – textiles, céramique –, elle souligne leurs qualités essentielles, notamment les teintes et les textures. Parmi ses expositions personnelles récentes, citons : Happiness Runs, Belvedere 21, Vienne en 2018 ; Waiting for the UFOs, à l’Ikon Gallery, Birmingham et au Kemper Museum of Art, Kansas City en2018 ; Face Geometry, Naked Eyes, à l’Otis College of Art and Design, Los Angeles, en 2016. Elle est représentée par la Frith Street Gallery, Londres et la Galerie Nächst St. Stephan, Vienne.

Pierre Buraglio was born in 1939 in Charenton-le-Pont. He now lives and works in Maisons-Alfort. A graduate of the École Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris, he also taught there from 1987 to 1997. A social activist, he put his painting on hold from 1969 to 1973 to work in a factory. Like some of his contemporaries in the Supports/Surfaces and BMPT movements, he has challenged the very act of painting, and his commitment over the decades has been resolutely pictorial. Transcending the abstraction/figuration dichotomy, his work questions the relationship between painting and image. The Musée dʼArt Moderne et Contemporain in Saint-Étienne devoted a major retrospective to him in 2019. Pierre Buraglio is represented by the galleries Ceysson & Bénétière, Jean Fournier, and Catherine Putman.

Alain Clément (né en 1941 à Neuilly-sur-Seine) vit et travaille à Nîmes, Paris et Berlin. Contemporain et ami des artistes du mouvement Supports/Surfaces, il développe une peinture colorée constituée de gestes simples allant jusqu’à la saturation de l’espace du tableau. Valeurs, traits, lignes, rubans et trames travaillent l’espace dans une oeuvre picturale profuse. Au début des années 1990, il entreprend la sculpture par des reliefs muraux constitués de larges traits colorés qui structurent l’espace. Dix ans plus tard, la sculpture se déploie dans l’espace par des formats monumentaux en acier peint. Elle dialogue avec la peinture dans des expositions muséales comme à Suzhou, Chine en 2012, Soissons en 2016, Céret en 2017 ou est présentée seule en plein air comme à la Fondation Nyrox à Johannesburg en 2013. Alain Clément est représenté par Die Galerie à Francfort-sur-le-Main, la galerie Oniris à Rennes depuis 1993 et par la galerie Catherine Putman, Paris.

Shirley Kaneda (1951) est une artiste américaine née à Tokyo. En 1970, elle arrive à New York où elle suit l’enseignement de la Parsons School of Design. Exploratrice assidue des possibilités de la peinture abstraite, elle la revisite à l’aide d’un vocabulaire de formes et de motifs biomorphiques ou linéaires qui semblent s’agglomérer et se disjoindre sur de vastes champs blancs ou vivement colorés situés hors de l’espace. Traitant les questions de la reproduction, de la répétition et de la variation, Kaneda chamboule littéralement son lexique et interroge la façon dont les remaniements de la syntaxe ou de l’orientation de ses oeuvres en affectent l’appréhension par le spectateur ainsi que les relations qu’elles entretiennent entre elles. Kaneda a reçu une bourse de la fondation Guggenheim et du National Endowment for the Arts. Elle collabore également à BOMB Magazine. Un article de David Ryan sur ses trente dernières années de création est à paraître dans le Journal of Contemporary Painting.

Robert Kushner (né en 1949 à Pasadena, CA) vit et travaille à New York. Depuis sa participation aux débuts du mouvement pattern and decoration dans les années 1970, il aborde des questions controversées touchant au décoratif. Sa peinture associe des éléments figuratifs naturels et des formes géométriques abstraites sur un mode à la fois décoratif et moderniste. Depuis 1975, le travail de Kushner a été abondamment présenté aux États-Unis, en Europe et au Japon. Son oeuvre a fait l’objet d’expositions personnelles au Whitney Museum et au Brooklyn Museum, New York, ainsi que d’une première rétrospective organisée à l’Institute of Contemporary Art de Philadelphie en 1987. Ses oeuvres figurent dans les collections de prestigieux musées, parmi lesquels le MoMA, New York, le Metropolitan Museum of Art, New York, le Whitney Museum of American Art, New York et la National Gallery of Art, Washington DC. Kushner est représenté par la DC Moore Gallery, New York, la Galerie Nathalie Obadia, Paris et la Yoshiaki Inoue Gallery, Tokyo.

Marielle Paul (née en 1960) vit et travaille à Paris et Vannes. Elle étudie à l’École des beauxarts de Saint-Étienne et de Lyon. Elle peint exclusivement à la gouache sur papier et constitue d’abord une collection d’archétypes paysagers inspirés des bords du Rhône, de la Drôme et du Limousin. Sa démarche s’éloigne ensuite du sujet pour confronter plus directement forme et couleur, représentation et divagation décorative, espace abstrait et espace imaginaire. Représentée par la galerie Jean Brolly de 2007 à 2021, son oeuvre a fait l’objet d’expositions personnelles au musée d’art et d’archéologie de Roanne en 2021 et au musée des beaux-arts de Brest en 2007. Acquises par le FRAC Auvergne et le FNAC ses oeuvres sont aussi montrées régulièrement au sein des collections du musée de Valence et du musée des beaux-arts de Rennes. Elle réalise depuis 2018 des lithographies à l’Atelier Michael Woolworth et des sérigraphies à l’Atelier Arcay, Paris.

Hugo Pernet (born 1983 in Paris) is a poet and artist living and working in Dijon. His painting is characterized by a loose style, evolving from a form of minimalist abstraction to figuration through a subtle appropriationist approach. He has presented his work in numerous solo exhibitions, notably in galleries like Triple V and Semiose in Paris, Super Dakota in Brussels and Joy de Rouvre in Geneva, as well as in museums including MAMCO in Geneva (2015) and the Palais de Tokyo in Paris (2009). He has also participated in group exhibitions at the Villa Medici, Rome (2013), the Musée d’Art Moderne in Paris (2010), the Musée d’Art Contemporain in Lyon (2010), Villa Arson, Nice (2007) and Le Magasin, Grenoble (2009). He has published several books of poetry with Fissile, Série Discrète and Vanloo.

Bernard Piffaretti (born in Saint-Etienne in 1955; lives and works in Paris) studies at the École des Beaux-Arts in Saint-Étienne. The analysis of the components of painting leads him to make duplication his working method. He thus elaborates his “Piffaretti system”, fully formed in 1986. This protocol is at the origin of every work he produces, each composed of two apparently identical panels, separated by a vertical strip; one of the two parts is an attempt to duplicate the other. Once both panels are finished, the distinction between the copy and the original tends to fade. As the artist admits himself, “the repetition, act by act, on the second half of the canvas, can only produce an imperfect image”. Piffaretti is represented by the galleries Klemm’s, Berlin; Kate MacGarry, London; Lisson, New York and Sanghai and Frank Elbaz, Paris.

Fiona Rae was born in Hong Kong in 1963. She lives and works in London. Over the last thirty years she has produced a distinctive body of work rooted in a conceptual examination of the problems and possibilities of abstract painting. Rae frequently reinvigorates her practice through self-imposed strategic challenges, which have
resulted in over fifteen different series of paintings to date. The paintings are improvised directly onto the canvas, establishing painterly and semiotic codes within which each visual element has an equal importance and significance in an inclusive and democratic fictive space. Fiona Rae’s paintings incarnate an abstract-pop universe, filled with references to modern and contemporary painting, pop culture, and digital technology. Fiona Rae is represented by Galerie Nathalie Obadia, Paris/Brussels and Buchmann Galerie, Berlin.